"A MÚSICA ELETRONICA, O JAZZ & O ROCK " Avantgarde

A MÚSICA ERUDITA CONTEMPORÂNEA & ROCK PROGRESSIVO Como compêndio de minha formação em Música Erudita de Vanguarda(Unicamp 1981) ,eu gravei e estruturei vários textos e links para voces conhecerem mais sobre o maior movimento do século XX na Arte e Contra Cultura .Eu em LPS gravei 3 discos que contém estruturas da música erudita contemporânea diversas como RUINAS CIRCULARES ( 1988), THE ALEPH (1989) e AGARTHA (1987)além de 13 Sinfonias mistas de Rock In Opposition que estão no meu canal do Youtube disponíveis. -PS: Importante saber que toda estas descobertas e modificações na música erudita, vão desembocar diretamente em outros estilos de música, como o Jazz, o Rock Progressivo e seus sub-gêneros( Kraut Rock, Eletronico Vintage, Rock in Opposition, Canterbury e Zeuhl) -O movimento modernista surgiu no século XX como uma resposta à música grandiosa e épica do final do período romântico, pois havia um sentimento de que quase tudo o que era possível havia sido alcançado (que usava um sistema tonal baseado em centros tonais e progressões de acordes padrão, bem como estruturas como a forma sonata).Um rompimento com o nazismo que havia expulsado quase toda a escola vanguardista da Europa(que migrou aos USA)foi culminante nesta etapa histórica da Arte.O Comunismo recém inaugurado ,no inicio, foi libertário e Marx ocupou o centro da relação arte-consumo-pesquisa-capital.Países como a Italia ,França, Alemanha e logo na sequência, a Russia e Alemanha aderiram.Os USA foram uma espécie de depositário de grandes artistas que para lá mudaram, e desenvolveram um grande centro de estudos de Música Científica e de Vanguarda.Uma das vertentes mais importantes do movimento modernista foi o serialismo/dodecafonismo, que teve Arnold Schoenberg como pioneiro na década de 1920.A música dodecafônica, talvez a forma mais proeminente de serialismo, pega uma série de tons composta de todas as 12 notas da escala cromática em uma determinada ordem e então as repete e manipula de várias maneiras estruturadas. Na sequencia de seu desenvolvimento,em vez de usar linhas fixas de 12 tons(dodecafonismo), compositores como Milton Babbitt, Pierre Boulez e Karlheinz Stockhausen aplicaram os conceitos de serialismo – padrões de repetição predeterminados – a outros elementos da música, como ritmo e dinâmica. Essa vertente de serialismo do pós-guerra é frequentemente associada a um movimento nas artes da época conhecido como alto modernismo. Frequentemente escrita com uma abordagem altamente metódica, quase matemática, esta tende a ser uma música bastante dissonante e desafiadora que continua a dividir opiniões. -A peça para piano Structures de Boulez aplica conceitos serialistas a vários elementos musicais, incluindo altura e dinâmica: Eu mesmo fiz uma reinvenção compondo e tocando nas "pausas" da Sonata n. 1 (Structure I) de Boulez. Segue aqui minha versão no Youtube (Amyr Cantusio Jr) https://www.youtube.com/watch?v=PFkNnwz1JYc -Outro trabalho que gravei ,que demorou meio ano para se tornar uma gravação, foi sobre o Concerto N.1 de Keith Emerson que é totalmente atonal e baseado nos compositores desta geração citados.Aqui a filmagem da passagem do piano de cauda(fiz a orquestração posteriormente acresentando sopros/cordas, bateria, etc...em estudio: https://www.youtube.com/watch?v=4_a6f5yQD3s -Aqui a Sinfonia n.8 ARKANA ( minha composição e gravação de todos instrumentos) baseado em Edgar Varèse com o toque de Rock In Opposition: https://www.youtube.com/watch?v=lM7sg-vgOjU&t=81s -Outro trabalho condensado de minhas Sinfonias, são este Tributo a vários compositores de vanguarda para vcs. terem idéia no Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=5Disa46QlSk&t=1612s Eu usei trechos das composições de: 0-LIGETI 1-STRAVINSKY 2-MESSIAEN 3-CHARLES IVES 4-PROKOFIEV 5-VARÈSE 6-CARL ORFF 7-GUSTAV HOLST 8-CHARLES KOECHLIN Em meados do século XX, alguns compositores começaram a escrever peças que questionavam as próprias definições de música, arte e composição. Assim como um dos mais controvertidos ,John Cage (USA)também usou a indeterminação em sua música, o que significa que alguns aspectos da peça são deixados abertos ao acaso ou à livre escolha do intérprete. Ele foi o líder de um grupo conhecido como Escola de Nova York, que também incluía nomes como Morton Feldman e Earle Brown, que também escreveram música aleatória (música do acaso), além de receber influências da arte visual surrealista e de vanguarda: Outros compositores experimentaram notações não padronizadas, como partituras gráficas, onde o intérprete decide o que tocar com base em uma série de, digamos, linhas, imagens abstratas e formas geométricas, oferecendo uma enorme liberdade interpretativa.A música concreta , um estilo pioneiro de Pierre Boulez e Karlheinz Stockhausen, utilizava a eletrônica para gravar sons – de instrumentos, da voz humana ou do ambiente natural, por exemplo. Essas matérias-primas seriam então manipuladas e transformadas em uma espécie de colagens musicais.Improvisação livre é uma música que não tem regras ou estrutura pré-planejada – muitas vezes não usa nenhum material escrito. Embora possa estar conectado aos mundos do jazz livre e de vanguarda que se desenvolveu na América na década de 1960, em sua forma mais pura, os músicos de "improvisação" geralmente tentam evitar ativamente referências a convenções ou gêneros musicais reconhecíveis. À medida que a tecnologia musical se desenvolveu, os compositores começaram a usar computadores como parte de seu processo de trabalho. Isso pode incluir ter um algoritmo de computador gerando um elemento de composição, usar sons sintetizados ou usar um programa para manipular digitalmente ondas sonoras acústicas(vide trabalhos com o Synclavier Keybord Synthesizer)Grande parte desse trabalho é baseado na relação entre música e matemática.Frank Zappa gravou alguns LPS somente desta forma, com o uso do composer sintetizado, escrevendo diretamente as partituras no computador, que por sua vez, executava a música.As escolas de Varèse e Boulez faziam amplo experimento com esta abordagem.O espectralismo se desenvolveu como uma abordagem na França na década de 1970, na qual as propriedades acústicas do som – ou espectros sonoros – eram analisadas digitalmente e então usadas como base para composição.Isso significa que as séries harmônicas e os microtons são amplamente utilizados.Se denomina Microtonalismo (frações do meio tom infinitas) outros estudos utilizados em quase toda música atual, incluindo o Blues. Um exemplo da música Espectral ocorre na peça Partiels , do pioneiro Gérard Grisey , onde o espectro de sobretons (as frequências que compõem o som da nota) de uma única nota grave de trombone é posteriormente arranjado para o resto do conjunto.Ou seja A orquestra executa todas as "alturas timbrais" de um trombone, tocando todos ao mesmo tempo. Esta escola de pensamento pode ser vista como um encontro fascinante entre música e física. Por fim surge o Minimalismo O movimento minimalista surgiu nos Estados Unidos no final da década de 1950.Usando quantidades mínimas de material musical, a música minimalista utiliza fragmentos repetidos e entrelaçados de melodia para criar tapeçarias hipnóticas de som, que tendem a não ter os picos e vales, a sensação de tensão e liberação, encontrados em muitas outras músicas.Tendo como pano de fundo o modernismo dissonante e atonal e o serialismo, In C , de Terry Riley , com sua tonalidade infinita de Dó maior, foi silenciosamente chocante.É composto por 53 frases musicais curtas, que podem ser repetidas um número arbitrário de vezes. Deve ser tocada por um número indeterminado de artistas por um período de tempo não especificado: Muitas vezes usando instrumentos elétricos, refletindo os avanços tecnológicos da época, e com um mundo sonoro harmônico que era geralmente consonante, compositores como Phillip Glass e Steve Reich encontraram enorme sucesso comercial: Nas décadas de 1980 e 1990, surgiu uma música conhecida como pós-minimalismo.Isso não é mais minimalismo "puro", mas compartilha muitas características com o gênero.Muitas vezes, recebe influência de outros estilos musicais, incluindo música não ocidental e estilos populares.Entramos na área do Rock in Opposition, particularmente onde se fundem o Serialismo,Dodecafonismo e Minimalismo com a Eletronica, o Jazz e o Rock. O século XX viu a música se tornar mais divergente do que em épocas anteriores, com uma gama mais divergente de estilos e mundos sonoros surgindo do que nunca.Essa tendência continuou e, de fato, há mais subgêneros e cenas do que é possível cobrir neste artigo.Mas para dar uma ideia da amplitude estilística da música clássica contemporânea que continua a ser escrita, aqui está uma pequena seleção de compositores que atuam na área atualmente: -Teria que citar um dos pioneiros da Eletronica, Luigi Russolo que influenciou todos posteriormente( Italia 1913) e Nadia Bloulanger (França) que foi a maior professora da música erudita contemporânea da Europa, tendo a maioria dos citados abaixo, estudado com ela. -Arvo Part ,Steve Reich , John Ligeti,Edgar Varèse, Carl Stockhausen,Boulez,John Cage, Phillip Glass,La Monte Young,Meredith Monk, Arnold Schoemberg, Alban Berg, Von Webern, Igor Stravinsky, Aaron Copland, Oliver Messiaen, entre inúmeros outros. -Após a estimulante década de 1920 comecei a sentir uma crescente insatisfação com as relações do público amante da música e do compositor vivo... Parecia-me que nós, compositores, corríamos o risco de trabalhar no vácuo. Além disso, um público inteiramente novo para a música havia crescido em torno do rádio e do fonógrafo. Não fazia sentido ignorá-los e continuar escrevendo como se eles não existissem. - (Aaron Copland/ nascido em New York-descendente de russos- no Brooklyn-USA) Grandes Teclados e Tecladistas do Rock   A coisa foi ficando mais quente quando o mellotron [instrumento de teclados orquestral] foi colocado pela primeira vez na cena, no som do grupo inglês The Moody Blues. Isto por volta de 1966. A partir de então, os Beatles utilizariam cravos, pianos elétricos, o recém-criado Mini Moog – entre outros sintetizadores – em sua música.Este instrumento faz uma simulação perfeita orquestral desde violinos/cellos/flautas até grandes coros de voz.Com perfeição absoluta.

No grande desfecho de 1967-1978 surgiriam às pencas bandas que se utilizariam destes instrumentos em larga escala. Principalmente as de rock progressivo, acid rock, kraut rock, eletrônicas e hard rock. Keith Emerson e Jon Lord [respectivamente The Nice e Deep Purple] inauguraram a era dos virtuoses eruditos no piano e hammond organ, seguidos de Vincent Crane [Atomic Rooster] e Ken Hensley [Uriah Heep], bem como Rick Wakeman [Yes], Rick Van Der Linden [Trace], Richard Wright [Pink Floyd], Hugh Banton [Van Der Graaf Generator], Kerry Minnear [Gentle Giant], Klaus Schulze [Ash Ra Temple, Tangerine Dream e uma estupenda carreira-solo], além de Edgar Froese, Christopher Franke, Peter Baumann, Johannes Schoemelling e Michael Hoenig atuando no lendário Tangerine Dream, uma das poucas bandas a se utilizar em massa quase que somente os sons de sintetizadores. Ainda temos Ed Jobson [Zappa, U.K., Jethro Tull] Michael Quatro [irmão da Suzi Quatro], Jurgen Fritz [Triumvirat], David Greenslade [Greenslade], entre outros monstros. Os teclados principais utilizados neste período são as variações do Mini Moog, hammond C3 e B3 [órgãos], mellotron, Arp Strings Odissey, Elka Arp Strings, Farfisa Organ, VC3 Choral Voice Oscilator, Fender Rhodes Electric Piano e Acoustic Grand Piano. Algumas bandas regidas pelo magnífico teclado [para citar algumas das mais importantes]: Genesis, Gentle Giant, Yes, Pink Floyd, Van Der Graaf Generator, Procol Harum, Uriah Heep, Deep Purple, Tangerine Dream, Popol Vuh, Atomic Rooster, Triumvirat, Kraftwerk, Jean Michel Jarre, Vangelis, Kitaro, Deuter, Cluster & Eno, Synergy e Klaus Schulze. No rock progressivo da Itália, França, Alemanha e Argentina – principalmente nesta época – somam mais de 2 mil grupos calcados nos teclados. Basta ter paciência e pesquisar. E agradecer ao pai do piano, o italiano Bartolomeu Cristofori [por volta de 1709], a criação de tão maravilhoso instrumento, que foi o elo do antigo cravo e órgão de tubos(Church ou Pipe Organ) com os atuais sintetizadores. Na área da música erudita de vanguarda as possibilidades atuais são enormes. Com o avanço da I.A.(Inteligencia Artificial), computadores com alta resolução e teclados cada dia mais sofisticados, a área de Samplers(cópias de sons de instrumentos acusticos ou eletronicos,além de sons da natureza) ficou riquíssima.Um homem só hoje pode reproduzir com um custo baixo e equipamento direcionado, sons de uma orquestra sinfonica fácilmente.Basta estudar, ter uma formação musical sólida e um apêndice complementar em informática direcionada a produção musical eletronica.